El arte de la naturaleza muerta
Adobe Stock/Rein Janssen
Es fácil tomar una foto de una manzana. Hacerla atractiva, misteriosa, vibrante o hermosa es otra cuestión. Capturar imágenes bellas de objetos inanimados requiere un enfoque creativo de la iluminación, el color, la textura y la composición. Forman parte de la larga tradición del género pictórico conocido como naturaleza muerta o bodegón y tienen todas sus sutilezas. Los fotógrafos de naturaleza muerta de Adobe Stock están aquí para hablar sobre el color, la comida y la iluminación, entre otras cosas.
Conoce a los artistas
Jessica es una artista plástica que vive en Nueva York y adora el queso a la parrilla. Con una visión muy especial del color y composiciones divertidas, crea arreglos surrealistas que actúan como una válvula de escape relajante de la rutina. Los artículos familiares del hogar, los hallazgos de las tiendas de todo a un dólar y las representaciones escultóricas de las plantas se descontextualizan y se agrupan para diseñar su propia naturaleza.
Adriana es fotógrafa, pero también trabaja como diseñadora de escenarios y estilista de utilería de comerciales, cortometrajes, fotografía de moda, videos musicales y animaciones stop motion. Su trabajo es una combinación peculiar de fotografía, manualidades y manipulación digital. Le apasiona el papel, puede trabajar con casi cualquier tipo de material y siempre encuentra la mejor manera de darle vida a su mente.
Rein Janssen se graduó en la Real Academia de Bellas Artes de La Haya. También estudió ingeniería y encuentra inspiración tanto en la naturaleza como en la química. El resultado es un estilo de fotografía único. Rein crea paisajes que son perfectos e intrigantes y al mismo tiempo parecen tranquilos y vívidos. Sus fotografías de naturaleza muerta pueden describirse como limpias, artísticas y contundentes, inspiradas en su afinidad por la comida.
Escuchando a las musas
La inspiración proviene de lugares extraños, desde experimentos químicos infantiles hasta accesorios de 1 dólar. Sigue a tu curiosidad y descubre hasta dónde puede llevarte.
Adobe Stock/Jessica Pettway
¿Qué te atrae de los objetos inanimados como temas de fotografía?
Jessica Pettway: Me fascina la inmediatez de la naturaleza muerta. No tienes que contratar modelos ni nada. Siempre puedo ir a una tienda de todo a un dólar o a un comercio popular, comprar un objeto y encontrar una manera de fotografiarlo. Creo que la naturaleza muerta alienta a las personas a ser creativas porque siempre hay algo a tu alrededor que puedes tomar y subvertir para que sea interesante. Si estoy trabajando con cosas de una tienda de todo a un dólar, el único obstáculo soy yo. Se convierte en una forma de desafiarme a mí misma. No hay obstáculos, excepto yo misma: puedo ir a la tienda, conseguir algo interesante por menos de 10 dólares y desafiar nuestra percepción de lo que vemos todo el tiempo.
Es raro conocer a una fotógrafa que también sea estilista de utilería ¿Estas prácticas evolucionaron juntas o comenzaste con una primero?
Adriana Napolitano: Comencé como escenógrafa/estilista de utilería para videos de animación stop motion. Fue entonces cuando me enamoré de las manualidades y las miniaturas. Después de un tiempo, descubrí que también podía compartir mis creaciones a través de la fotografía, y ahora este matrimonio entre fotografía y manualidades se ha convertido en la forma de expresión perfecta para mí. He estado trabajando con diferentes materiales (especialmente los reciclados) para videos stop motion desde 2008/2009, pero mi primera «creación en papel» fue una peluca victoriana, en 2012. Considero que este fue el primer paso en mi relación con el papel.
Háblanos un poco sobre tus antecedentes. Estudiaste tanto bellas artes como ingeniería…
Rein Janssen: Mi padre es bioquímico y de niño me mostró todo tipo de experimentos maravillosos, como el hielo seco o los jardines químicos. No se nos permitía ver mucha televisión, así que cuando me aburría, mi madre me daba lápices y papel para dibujar. Los libros de arte que teníamos eran de H. R. Giger, Dalí y Escher. En la escuela, la ingeniería implicaba mucho trabajo informático y extrañaba trabajar con mis manos. Así que volví a jugar y a crear imágenes y fotografía.
Jugar con la comida
Los placeres y dificultades de pensar con el estómago.
Adobe Stock/Adriana Napolitano
¿Cuáles son los mayores desafíos de trabajar con comida?
JP: Bueno, me gusta tanto la comida que a veces me resulta difícil decidir: «¿Cómo puedo mejorar esto?». Si tomara una foto de un sándwich de queso a la parrilla, pensaría: «Esto ya está perfecto». Pero no, en realidad, es posible darle estilo al plato y hacerlo más apetitoso y fotogénico.
Gran parte de tu arte en papel representa comida ¿Alguna vez trabajaste con la propia comida? ¿Qué te llevó a recrear comida con papel?
AN: ¡Estoy siempre hambrienta! Quizás por eso siempre estoy haciendo comida. Nunca he pensado en ello, pero creo que casi nunca he trabajado con comida de verdad. La comida es colorida y te da alegría (al menos a mí), así que me gusta mucho reproducirla de maneras diferentes y divertidas.
¿Qué te atrae de trabajar con comida? Parece que siempre estás tratando de poner comida en nuevas situaciones o experimentar con ella.
RJ: Mi serie final en la academia de bellas artes fue sobre el azúcar y la comida. La comida es natural e incluso «amigable» para trabajar. Me encanta poner comida en nuevas situaciones, de modo que cuando las personas ven mis imágenes, deben prestar atención y abrir sus mentes para comprender lo que está sucediendo.
Pintar con la luz
La luz puede dar vida a una fotografía, crear efectos deslumbrantes, proyectar sombras espectaculares, pero no existe una receta adecuada para combinarla.
Adobe Stock/Rein Janssen
Adobe Stock/Rein Janssen
No parece haber un estilo o enfoque de iluminación específico o recurrente en tu trabajo. ¿Lo haces a propósito?
JP: Normalmente trabajo con lo que me inspira en el momento. Paso por fases en las que quiero una luz y unas sombras más suaves y por otros períodos en los que quiero que todo sea mucho más agresivo. Depende mucho de las referencias que use para dibujar. Las caricaturas requieren un aspecto de contraste más nítido, pero las portadas de los álbumes de los años 70 no tanto.
¿Tuviste problemas para iluminar papel?
AN: La forma en la que el papel refleja la luz es una de las razones por las que me enamoré de él. En fotografía, la luz es muy importante (¡por supuesto!), y creo que la luz y el papel funcionan muy bien juntos. Creemos que el papel se quedará sin profundidad, pero eso es lo que hace que la iluminación sea tan importante y satisfactoria.
Algunas de tus imágenes adoptan un enfoque muy clásico, casi pictórico, de los objetos inanimados, mientras que otras son marcadamente surrealistas e interpretativas. ¿Dónde empiezas a crear el concepto para una fotografía?
RJ: Comienzo sintiendo en qué dirección deben ir las cosas en relación con la iluminación, la atmósfera y los objetos. Esto tiene que estar muy claro para que sepa qué hacer a continuación. A veces, cuando es posible y el cliente confía en mí, ¡entro al estudio con algunos objetos/ingredientes y empiezo a crear! Otras veces, el cliente me da un boceto y un panel de inspiración muy detallados que uso como base de mi trabajo.
Colorear entre líneas
El color capta la atención y evoca la emoción. Ahora volvemos a los colores divertidos y saturados, a la vitalidad y a la alegría, como puedes ver en la tendencia virtual visual de 2019, Democracia creativa.
Adobe Stock/Jessica Pettway
Adobe Stock/Jessica Pettway
El color obviamente juega un papel muy importante en tu fotografía. ¿Cuál es tu fuente de inspiración para la forma en que usas el color?
JP: Para los colores, me gustan mucho los dibujos animados. También busco inspiración en la ilustración y la pintura. He estado fijándome mucho en el trabajo de Kenny Scharf últimamente, especialmente en sus obras locas del espacio exterior. La forma en que usa los colores es genial. También me gusta ver portadas de álbumes antiguos y glamurosos, como los de Teena Marie y Diana Ross.
¿Cuándo empiezas a pensar en colores en tu proceso?
AN: ¡Pienso en los colores desde el principio! Por lo general, cuando empiezo a pensar en la imagen, ya la visualizo en colores. Lo sé todo desde el principio. El color, la composición, todo. A veces me dejo llevar, pero es raro. Por lo general, tengo una imagen bastante clara en mi mente, y ya está hecha, «solo» necesito construirla y capturarla.
Buen humor
El humor es un asunto serio: busca formas de expresar lo que encuentras divertido o gracioso, y tus imágenes siempre se recordarán como una buena broma.
Adobe Stock/Jessica Pettway
Adobe Stock/Adriana Napolitano
Está claro cuánto te gusta la comida por lo divertida y humorística que eres con ella, como cuando pusiste patines a una pizza o lentes de sol a un helado derretido. ¿Cómo llegas a estas ideas?
JP: Muchas veces es solo asociación libre. Me gusta la fotografía editorial porque los artículos me inspiran. Esa fotografía de la pizza sobre ruedas trataba sobre un político local que también era repartidor de pizza. Pero a menudo me inspiran directamente los objetos y les doy personalidad. Me encantan las pelucas, así que intento poner una peluca sobre cualquier cosa.
El humor también tiene un papel importante en muchas de tus fotografías, como un sistema solar de albóndigas o pompas de jabón flotando peligrosamente cerca de un cactus. ¿Siempre tratas de incluir un poco de humor en tu trabajo?
RJ: Muchas de mis ideas parten de un tema. El sistema solar de albóndigas era una ilustración sobre dónde encontrar el mejor carpacho del universo. La foto de los cactus con pompas de jabón era una ilustración sobre las personas muy sensibles. El humor es una buena forma de conectar con las personas y, cuando es posible, me gusta incluirlo en mi trabajo.
Un consejo
JP: Trata de capturarlo todo en la cámara y configura la escena con mucho cuidado. Así conseguirás efectos más naturales y elementos combinados o resaltados dependiendo de cómo estén relacionados.
AN: Mis consejos son siempre los mismos: ten curiosidad, no dejes de hacer y aprender cosas, sé humilde y ten mucha paciencia. Especialmente con el arte en papel.
RJ: Consigue la luz adecuada para que mejore el efecto. Simplemente experimenta, practica y descubre qué funciona. Tener un asistente es una buena idea porque una mano amiga siempre es bienvenida.
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