« Timescaping » : la colorisation traditionnelle réinventée avec Adobe Photoshop par deux artistes

by Adobe France

Posted on 10-17-2016

En plus d’incorporer les éléments de différentes images, on incorpore ceux de différentes époques. C’est extraordinaire.

Carles Marsal

Chaque jour s’offrent à notre regard des images haute définition dont les couleurs vives traduisent une grande énergie. Que ce soit sur support numérique ou imprimé, nous avons l’habitude des photos hautes en couleurs, d’un réalisme saisissant.

Mais nous savons tous qu’il n’en a pas toujours été ainsi. Il y a un siècle seulement, toutes les photos étaient en noir et blanc. L’ajout artificiel de couleurs à des photos en noir et blanc a commencé longtemps avant l’invention du logiciel de retouche Adobe Photoshop : artistes et photographes jouaient avec les couleurs bien avant l’ère du numérique, et les résultats obtenus étaient d’ailleurs souvent fascinants.

Lorsque la photo couleur est devenue la norme, elle a été rapidement prise pour argent comptant. Mais depuis quelques années, l’art d’ajouter de la couleur à des photos en noir et blanc connaît un regain d’intérêt, notamment sous l’influence des nombreuses possibilités offertes par les outils numériques tels qu’Adobe Photoshop.

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Aujourd’hui des artistes comme Jordan Lloyd et Carles Marsal élèvent cette forme d’art à un tout autre niveau, avec leur méthode dite du « timescaping ». En combinant des photos anciennes en noir et blanc et sépia à des photos modernes tirées d’Adobe Stock, le duo crée des paysages fascinants nés de la superposition de différentes époques, et nous emmène dans un voyage à travers le temps.

Jordan et Carles présenteront une masterclass en ligne sur le timescaping, le 18 octobre. Carles démontrera d’abord comment superposer des photos anciennes et des images Adobe Stock plus modernes, pour les mélanger de manière fluide et harmonieuse. Jordan expliquera ensuite comment procéder pour ajouter des couleurs et les dégrader de sorte à obtenir le « paysage temporel » appelé « timescape ».

Nous avons rencontré le duo pour en savoir plus sur son parcours et sa collaboration, mais aussi pour découvrir ce qu’est exactement le « timescaping ».

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En quoi le « timescaping » moderne diffère-t-il du processus traditionnel d’ajout artificiel de couleurs à des photos en noir et blanc ?

Jordan : « Timescape » est un mot que j’ai inventé pour communiquer l’idée de superposer de la même vue à travers différentes époques. L’idée est née lorsque Carles et moi avons travaillé sur le projet Times Square pour l’exposition sur New York organisée par Retronaut en collaboration avec SC Exhibitions. On nous avait demandé une pièce maîtresse pour l’exposition Panoramas of New York at the turn of the 20th century. C’était à la fois troublant et passionnant de voir ce qu’il allait se passer si on prenait la même image photographiée à 24 dates différentes, entre 1900 et 2016 ; cette dernière photo a d’ailleurs été prise par notre ami Limor Garfinkel. Carles a mélangé toutes ces images et désaturé le tout puis j’ai ajouté la couleur de sorte à obtenir un résultat final homogène. Le « timescape » final a beaucoup plu, les gens ont été fascinés par la gigantesque pièce murale finale, passant parfois 10 à 15 minutes à la scruter dans ses moindres détails.

Par ailleurs, le terme « colorisation » est communément employé pour faire référence au procédé moderne de l’ajout manuel de couleur à des photographies en noir et blanc. L’ajout artificiel de couleurs a été l’un des tout premiers exemples de manipulation photographique, les premiers essais remontant aux années 1850. La peinture était un art, la lithographie, un autre, mais l’objectif avoué était d’ajouter le plus de valeur commerciale aux images. Aujourd’hui, il est possible de contrôler le processus de colorisation grâce à des outils comme Adobe Photoshop qui, avec ses couches de modification non destructrice et ses différents modes de fusion, permet d’obtenir une image finale qu’il est difficile de distinguer d’une photo couleur authentique.

Devez-vous faire des recherches pour savoir quelles couleurs utiliser sans vous tromper ?

Jordan : Oui, absolument. La moitié du temps passé à travailler sur une photo consiste à faire des recherches. Qu’il s’agisse de faire des recherches en ligne, de parler avec des experts, de consulter des livres ou même de nous rendre sur place, nous faisons tout pour que le résultat final ne soit pas le fruit de notre imagination. Certaines choses peuvent être devinées grâce aux ombres et aux données à notre disposition sur le lieu où une photo a été prise : par exemple, le temps qu’il faisait ou la couleur du ciel. Mais d’autres choses demandent plus de temps, comme la couleur des vêtements d’époque ou des publicités anciennes. Il est malheureusement impossible de parvenir à un niveau de fidélité historique parfait, car ces photos n’ont pas été prises avec un smartphone ni même un appareil photo moderne. Certains détails seront toujours incorrects, mais avec des recherches poussées, on peut se faire une idée approximative de ce que le photographe voyait lorsqu’il a pris la photo.

Carles, vous êtes un spécialiste du matte painting. Quand vous êtes-vous initié à l’illustration ?

Carles : J’ai commencé en travaillant sur des projets de manipulation photographique simples. La plupart, généralement des publicités, ne comportait qu’un ou deux éléments. Aujourd’hui, je travaille sur des projets très complexes pouvant comporter jusqu’à 50 éléments, parfois plus. Chacun a une luminosité qui lui est propre, et c’est pareil pour les ombres, la couleur, la densité, la texture, la profondeur, etc. Pour créer une composition réaliste, il faut d’abord se la projeter dans la vie réelle puis la recréer de sorte que l’œil humain ne parvienne pas à discerner la différence entre ce qui était présent et ce qui était absent de la scène d’origine. J’ai tout appris grâce à la nature et aux peintures classiques. Tout est là, il suffit de faire s’imbriquer les choses comme il se doit et de s’exercer. Il faut aussi utiliser les bons outils. Au fil des années, j’ai acquis une technique très précise que j’expliquerai plus en détails lors de la masterclass du 18 octobre. Voir l’image finie, comme si j’avais pris la photo moi-même, me procure toujours une sensation extraordinaire.

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Jordan, comment êtes-vous devenu coloriste ?

Jordan : Il n’y a pas eu un seul facteur déterminant. Ça a plutôt été un concours de circonstances qui a fait que j’ai pu voir jusqu’où il était possible d’aller. J’ai dû, par exemple, réparer une photo de famille très délavée. Rétablir la luminosité naturelle avec Photoshop a été assez simple, mais j’ai aussi tenté l’expérience des couches de couleurs. J’avais aussi déjà eu l’occasion de voir des photographies colorisées en ligne et ai eu envie de tenter l’aventure. J’ai dû m’y reprendre à une bonne douzaine de fois avant d’être satisfait du résultat, et depuis, je travaille à m’améliorer en permanence.

Combien de temps passez-vous pour redonner vie à une photo ancienne en noir et blanc ?

Jordan : Cela dépend des informations visuelles déjà présentes sur la photo. Ça peut prendre plusieurs heures ou plusieurs jours, voire des semaines. J’ai déjà passé 16 jours sur une même photo. Il faut savoir que la plupart des photos en noir et blanc ont bien subi les ravages du temps et doivent d’abord être remises à neuf, ce qui demande du temps. Il faut ensuite passer à l’étape des recherches, et ce n’est qu’après que la couleur peut être ajoutée.

Quelles périodes de l’histoire vous intéressent particulièrement ? Est-ce que cela varie selon la photo sur laquelle vous travaillez ?

Jordan : L’histoire du Japon me fascine, notamment parce que j’ai appris à manipuler les armes japonaises. J’aime particulièrement les images de navires quittant Yokohama à la fin du shogunat, dans la période charnière de l’histoire des années 1870 et 1880. Chaque photographie en couleur me fascine et me transporte à la fois. La semaine dernière, j’ai eu la chance inouïe de voir la plus grande collection d’autochromes réalisée par une même personne : il s’agissait de photos prises en Angleterre entre 1910 et 1930. On ne sait plus ce que c’est aujourd’hui, mais ces photos avaient été prises en stéréoscopie, et j’ai dû les regarder à la lumière du jour à l’aide d’une visionneuse spéciale. Imaginez un peu les années 1900 en 3D et en couleur ! C’était incroyable.

Qu’aimez-vous le plus dans le « timescaping » ?

Jordan : J’ai adoré travailler avec Carles. J’ai été époustouflé par ses compositions de matte painting. Ses compositions me font penser aux vielles toiles de maîtres, et voir tout ce que Carles est capable de faire avec quelques photos est remarquable. D’un point de vue technique, le fait de réaligner à la main la perspective et la luminosité originelles pour créer quelque chose de totalement nouveau demande des compétences considérables.

Carles : Quand Jordan m’a demandé de créer une composition de timescaping, je me suis dit que j’allais repousser les limites de la manipulation photographique. En plus d’incorporer les éléments de différentes images, on incorpore ceux de différentes époques. C’est extraordinaire. Ça n’a pas été facile, mais en même temps je me suis beaucoup amusé à tout mettre ensemble, à inclure toutes les périodes de l’histoire, les bâtiments, les personnages, les structures, les véhicules, les publicités, etc. Quand Jordan a ajouté la couleur, c’était incroyable. Je l’ai vu à l’œuvre, et colorer tout cela, croyez-moi, c’est comme donner vie à toute la composition.

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Votre travail semble presque trop beau pour être vrai ! Pour quels types de clients travaillez-vous ?

Carles : Je travaille généralement pour des agences publicitaires, et j’ai participé à plusieurs projets pour l’industrie des jeux vidéo et pour le cinéma.

Jordan : Je travaille de plus en plus pour le compte d’éditeurs, mais j’ai eu la chance de travailler avec des entreprises et des propriétaires de collections, de l’Imperial War Museum à Apple, sans oublier Adobe bien sûr.

D’après vous, combien de temps faut-il à un débutant sur Photoshop pour faire des œuvres de timescaping dignes de ce nom ?

Jordan : Pas si longtemps qu’on pourrait le croire ! Ce que j’aime dans le timescaping, c’est la possibilité de travailler avec des centaines de milliers de photographies tombées dans le domaine public, de les combiner à Adobe Stock et de commencer très vite à faire ses propres expériences. Le plus dur, c’est de trouver un thème de travail. Pour Times Square, nous avons limité l’image à ce qu’on peut voir depuis Times Square, et nous ne nous sommes intéressés qu’aux détails de ces photos. Notre masterclass portera sur le choix de deux ou trois éléments et du travail qui consiste à les mettre en valeur ensemble. Ce qui m’intéresse le plus, c’est de voir le spectateur regarder la photo à deux fois et remettre en question sa perception du temps.

Avez-vous pris part à des projets collaboratifs internationaux, et quels ont été vos outils de travail ?

Jordan : Il existe de très nombreux outils de collaboration de nos jours, et collaborer avec l’autre bout du monde est relativement simple maintenant. Comme je voyageais dans différents pays quand nous avons travaillé sur Times Square, nous avons utilisé Adobe Photoshop CC et communiqué par e-mail et messagerie instantanée. Nous avons apporté les modifications souhaitées via un dossier Dropbox. En quelque sorte, nous avons joué au ping-pong avec Photoshop. Je me souviens avoir soumis l’idée de notre collaboration à Carles à l’aide d’une maquette vraiment pas terrible que j’avais réalisée lors d’un vol pour la Thaïlande. C’est elle qui a servi de base au somptueux travail de composition de Carles.

Visionnez le replay de cette masterclass en cliquant ici. Vous pouvez également télécharger les fichiers du tuto ainsi que des brushes ici.

Topics: Créativité, photographie créative, retouche photo, Adobe Photoshop CC, masterclass, Workflow, Creative EMEA

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